Siga as regras e princípios básicos para criar ótima arte

Para o observador casual, o mundo das artes pode parecer inacessível.

Ao olhar para uma pintura, assistir a um balé ou ouvir um concerto clássico, o público em geral e os entusiastas das artes terão uma resposta emocional, mas podem não entender como essas obras foram criadas.

Muitas pessoas acreditam que talento, sorte e gênio são responsáveis ​​por trazer altas arte. Enquanto eles definitivamente desempenham um papel, eles não são a história toda. Embora possa passar despercebido por olhos menos treinados, todas as artes são sustentadas por uma base comum: Princípios de design, que variam de acordo com a disciplina.

Os dançarinos são ensinados a se apresentar a tempo com seus colegas artistas, para que se movessem como uma unidade. Pintores e outros artistas visuais aprendem a manipular elementos de perspectiva, composição e uso de luz ou sombra.

Músicos clássicos estudam regras de harmonia e forma musical; Eles aprendem a alcançar uma boa entonação e mover seus corpos de maneiras que produzem o som desejado.

Uma sólida compreensão dos princípios de design subjacente de seu ofício é essencial para se transformar em um artista sofisticado e maduro. A música de Bach e Beethoven não existiria sem o domínio total das regras de harmonia; Monet e Vermeer não seriam comemorados se não fosse pelo controle total da perspectiva e pelo uso da luz em suas pinturas.

Em toda disciplina artística, o conhecimento e o respeito pelos princípios centrais do assunto de alguém são incutidos desde os primeiros níveis e são continuamente usados ​​como base para a construção de níveis mais avançados de domínio.

Tanto estudantes quanto profissionais usam essas filosofias principais estabelecidas para informar seu trabalho diariamente, mesmo nos estágios mais altos de suas carreiras.

Em todas as formas de arte, a maioria desses princípios se relaciona com aspectos técnicos de como você deve executar um movimento ou uma pincelada específica ou onde colocar um assunto ou observação em particular, em vez de conceitos estéticos.

Assim, é fácil vê -los de maneira rígida, e não como uma estrutura de apoio. No entanto, ao avançar em seu ofício, você vê que cada artista tem sua própria interpretação dos princípios; É isso que permite que cada obra de arte e cada artista seja diferente de outro.

Ao dominar as preocupações técnicas e refinar continuamente sua técnica, você aprenderá a manipular as regras à sua maneira, e isso dará significado, distinção e expressão pessoal ao seu trabalho. Bach, Beethoven e todos os grandes mestres aperfeiçoaram e depois dobraram as regras; É assim que você se tornará um artista único e memorável também.

Artes visuais como desenho pode ser especialmente difícil, pois você precisa representar elementos tridimensionais em uma superfície bidimensional. Mas, seguindo certos princípios, mesmo como iniciante, ajudará sua arte a ser convincente e expressiva com menos frustração e esforço. Vamos dar uma olhada em algumas das técnicas fundamentais de design que são essenciais para quem desenha.

Composição
Composição é o layout de todos os elementos do seu desenho. Forma, linha, cor, tom e espaço fazem parte disso.

Antes de começar a desenhar, é melhor fazer esboços preliminares e planejar o que você deseja desenhar. Depois de fazer isso, a primeira coisa que você precisará pensar para o seu desenho é forma. Desde o início, você precisa estabelecer a grande forma geral (contornos) para todo o seu desenho.

Você só deve começar a trabalhar nas formas menores de objetos individuais depois de satisfeito por ter transmitido o contorno que deseja. Tentar desenhar as formas menores primeiro levará à frustração; Seu trabalho não terá definição e não será tão convincente quanto poderia ser. Em outras palavras, ignore os detalhes até acertar o básico!

Linha é a maneira como você guia um espectador através de sua pintura. Linhas horizontais, como as de desenhos de paisagem, geralmente transmitem um sentimento pacífico; Linhas diagonais podem adicionar tensão. Em geral, as curvas dão uma sensação muito mais natural e agradável do que linhas retas; Eles também dão à sua peça um bom senso de movimento, então parece mais realista.

Cor, é claro, lida com quais cores você usa em sua paleta. É também sobre intensidade-você precisa fazer uma escolha de quão saturado (vívido) ou sutil você deseja que as cores sejam e se deseja usá-las para expressar a idéia de claro ou escuro.

O tom, também chamado de sombreamento ou "valor", está diretamente relacionado à cor. Você pode usar sombreamento para criar sombras em seu trabalho (como sombras criadas pelo sol em uma paisagem, por exemplo). Isso permitirá que seu trabalho pareça tridimensional e dará ao espectador uma sensação de profundidade.

Para que sua arte funcione, você também precisa considerar o uso do espaço.

Pense em quanto espaço você gostaria entre os elementos do seu desenho (conhecido como espaço negativo) e quanto espaço você gostaria que os objetos do seu desenho preencham (espaço positivo). Isso variará dependendo do tipo de desenho que você está fazendo.

Na arte ocidental, o espaço negativo é frequentemente preenchido com cor ou até sombreamento, mas alguma arte asiática deixa o espaço em branco e branco do próprio papel ao redor do objeto central; Isso pode ser muito eficaz também.

Uma coisa a lembrar, não coloque a mesma quantidade de espaço negativo entre cada elemento em sua peça-para manter as coisas interessantes, é importante variar a forma e o tamanho do espaço negativo.

Equilíbrio e unidade
O equilíbrio e a unidade são considerados as características da arte convencional "boa". Existem algumas regras de ouro, todas testadas e testadas pelos grandes artistas, que você pode usar para encontrar equilíbrio em suas próprias peças.

Mas primeiro, algumas dicas gerais que ajudarão a facilitar as regras douradas. É importante que exista uma área principal de interesse e foco em seu desenho, para que o espectador saiba o que olhar e não se distraia por muitos elementos pequenos.

Coloque seu assunto mais proeminente um pouco fora do seu trabalho para dar um bom fluxo para o espectador e verifique se ele está voltado para o desenho, não fora da sua foto.

Certifique -se de não cortar sua pintura diretamente ao meio, vertical ou horizontalmente, pois isso pode parecer menos realista. Se você estiver usando uma linha de horizonte em seu trabalho, verifique se não está no centro da imagem-coloque-o alto ou baixo para que ele mostre mais "céu" ou mais "terreno", dependendo do que você está desenho.

E agora, as regras de ouro. A primeira regra de ouro é a regra dos terços, e está realmente relacionada ao próprio meio -ouro. A média dourada, ou proporção dourada, guiou artistas clássicos há séculos. Afirma que os elementos de uma obra de arte devem ser colocados para que cada elemento esteja em uma proporção de 1 a 1.618 (cerca de 3 a 5) em relação a qualquer outro elemento. A regra dos terços é uma versão simplificada do média dourada.

Para segui -lo, Divida seu desenho em uma grade de 3 colunas e linhas, todas iguais em tamanho. Coloque seu assunto principal e áreas de interesse menores perto de uma das linhas em sua grade e, se puder, pretende colocá -las no cruzamento das linhas e colunas da grade. Isso criará facilmente um equilíbrio ideal em seu desenho, pois o força a evitar colocar elementos importantes em áreas que cortariam visualmente a peça ao meio, interrompendo os olhos do espectador.

Como a regra dos terços, o A regra das probabilidades também é baseada em números ímpares. Para alcançar um desenho realista, você deve ter um número ímpar de assuntos em sua peça, como 1 ou 3, em vez de um número par. Se você tem apenas um ponto focal principal, coloque um número par de itens ao seu redor; Dessa forma, você acabará com um número estranho de elementos em seu trabalho, o que geralmente é mais agradável aos olhos. Assim como na regra anterior, a regra dos terços ajuda a evitar cortar seu trabalho diretamente no centro.

Para unificar seu trabalho, a repetição de alguns elementos é fundamental. Por exemplo, você pode escolher um símbolo ou motivo e repeti -lo em certas áreas do seu desenho, talvez em uma cor diferente ou em tamanho menor. Isso estabelece um padrão em sua peça e ajuda a fazer sentido para o espectador. É importante não usar demais isso, pois você quer ter variedade em seu trabalho também.

Perspectiva
Desenvolver perspectiva é uma habilidade fundamental na arte, e é o que dá ao seu trabalho uma sensação de profundidade e distância. No desenho, a perspectiva sustenta que os objetos ficam menores à medida que vão em direção ao fundo de uma imagem, enquanto objetos maiores estão em primeiro plano (frente) da imagem.

Perspectiva linear e aérea ambos são importantes para artistas. A perspectiva linear pode ser dividida em perspectiva de 1 ponto, 2 pontos ou 3 pontos. A perspectiva de 1 ponto é o lugar mais simples para começar. Para usá -lo, você só precisa de uma visão e um ponto fixo.

Se você está desenhando uma igreja, sua visão será o que você vê na sua frente com a cabeça reta, e o ponto fixo pode ser o que você escolher, como uma estátua à sua frente. Você direcionará os olhos do espectador para a estátua através do uso de duas coisas: um ponto de fuga e uma linha de horizonte. O ponto de fuga pode ser qualquer ponto na distância em que seus olhos descansam naturalmente-em uma igreja, pode ser um ponto em uma parede distante.

Seu ponto de fuga é incorporado à sua linha de horizonte, que é uma linha horizontal longa e plana do céu (ou solo, quando dentro de casa) que se estenderá à esquerda e à direita do seu desenho e até da sua foto. A perspectiva é uma ferramenta bastante complexa e assume muitas formas diferentes, mas essas são o básico do estabelecimento da perspectiva de um ponto, o que dá dimensão e uma aparência natural ao seu trabalho.

Os elementos essenciais de desenho de composição, equilíbrio, unidade e perspectiva são encontrados em todas as formas de arte. Embora dançarinos e músicos tenham diferentes definições e abordagens para esses elementos do que os artistas visuais, eles formam um núcleo comum entre todas as disciplinas artísticas.

Qualquer que seja o seu campo, seguir esses princípios fundamentais, garantirá que seu trabalho seja profissional, não amador, e que suas peças expressem sua personalidade e comuniquem claramente sua mensagem ao seu público.